Combien de fois a-t-on vu David Bowie mourir ? La stupéfaction portée par la nouvelle de sa mort nous frappe quelques jours seulement après la parution de son 26e album, Blackstar, et surtout la découverte d'un clip, Lazarus, qui demeurera l'ultime image testamentaire apparue de lui de son vivant. Le plan conclusif met en scène la star, portant plus que jamais sur elle les ravages de son âge, alors qu'elle se retranche à reculons dans une armoire-tombeau dont la porte se referme sur elle. Déjà en 1973, sur la scène de l'Hammersmith Odeon, devant un public éberlué qui pousse un cri sauvage d'incompréhension, la star, grimée en Ziggy Stardust, annonce que c'est le dernier concert qu'elle fera jamais, avant d'entonner un déchirant Rock'n Roll Bowie liquidera ainsi tout au long de sa carrière bien d'autres avatars, d'Aladdin Sane au Thin White Duke, etc. On le verra aussi en fâcheuse posture, corps désarticulé sur la pochette de Lodger en 1979, s'identifiant au Christ de Mantegna. En 1983, dans les Prédateurs, le cinéaste Tony Scott imagine Bowie en vampire au côté de Catherine Deneuve, intuition foudroyante au regard de la réputation de succube géniale que trimbale le musicien. Mais à peine le voit-on resplendir à l'écran de tout son éclat vénéneux dans les premiers plans du film que, déjà, il dépérit et vieillit à toute allure, recouvert de tonnes de rides et perdant ses cheveux. Précipité dans la sénilité et sous les litres de latex, alors que le spectateur, tout à son hébétude de voir l'image de la star être ainsi escamotée, suppose encore qu'il ne peut que revenir, refait, intact. C'est Bowie, il ne peut pas mourir. Il disparaît pourtant du récit, bel et bien expulsé hors-champ, à abolition de Bowie est un leitmotiv rhapsodique d'une longévité fragmentée d'autodésintégration et de renaissance en éternel phénix pop, toujours dissemblable, repeint et rhabillé à neuf à chaque nouvelle aventure discographique ou scénique. En 1996, Bowie répond aux questions de l'écrivain Mehdi Belhaj Kacem pour les Inrockuptibles et énonce notamment cela A 50 ans, je n'ai plus peur ni de la vieillesse ni de la mort. La dernière ligne droite ne m'effraie pas, je la regarde en face. […] La mort devient une entité qui est là pour être employée. Concrètement, cela signifie qu'on peut décider que son cœur va s'arrêter de battre un jour précis, un jour choisi - il y a des exemples concrets. […] Et je trouve cette idée admirable, elle me fait rêver parce qu'elle ouvre des perspectives vais-je choisir telle ou telle mort, vais-je me laisser emporter passivement ? Faire quelque chose de sa mort, quelle expérience glorieuse !»L'œuvre entière, grandiose à tous égards, y compris dans sa fragilité tâtonnante, se cherchant sans cesse de nouveaux appuis, s'accomplit dans sa furie transformiste au soleil noir de la folie à la fois invoquée, jouée, révoquée, exorcisée, et de la mort qu'il contemple en des mises en scène mi-sérieuses mi-bouffonnes aussi bien en 1974 qu'en 1983, quand sur scène il se prend pour Hamlet et chante Cracked Actor en contemplant un crâne qu'il lèche et embrasse goulûment, dont il aspire l'horreur et le vide. Ashes to Ashes de la poussière à la poussière» ou I'm Deranged de l'album Outside, 1995, chanson qui figurera au générique de début du Lost Highway de David Lynch, The Bewley Brothers ou encore Station to Station, on n'en finirait pas d'égrener les titres emblématiques d'une inspiration tourmentée, hantée de visions noires et mimant à l'échelle décuplée d'une geste spectaculaire et pailletée la descente dans les gouffres et les enfers, comme pour mieux les revenue de décennies d'errances douloureuses les navrantes années 80 en tête, la voix de David Bowie résonne en stentor funeste cherchant à écarter les murs de la chambre ultime, qui pourtant se rapprochent comme pour écraser ceux qui l'habitent. On ne l'écoute pas sans trembler, s'y perdre ou être effleuré par la même intuition que Ian McCulloch, du groupe Echo in the Bunnymen, dont la vocation musicienne fut forgée par la vision de Bowie chantant Starman à l'émission de télé Top of the Pops, en 1972 Jamais être humain ne sera aussi beau que le Bowie de Ziggy Stardust ou du Thin White Duke.»Cette vie n’était pas pour moi»La macération dans le confort petit-bourgeois de la banlieue londonienne avec ses appartements étriqués et son mobilier à fleurs participe de l'étrange et lente mue personnelle qui conduisent l'enfant des faubourgs David Robert Jones à se voir plus grand qu'il n'est, plus beau et remarquable, lui qui rase encore les murs et qu'une timidité maladive tient à l'écart des différentes bandes de bad boys qui tiennent le pavé devant les est né le 8 janvier 1947, a grandi à Brixton jusqu'à l'âge de 6 ans avant de déménager dans la banlieue résidentielle de Bromley dans le Kent, environ à 13 kilomètres de Brixton. Sa mère, Peggy, est ouvreuse de cinéma, son père, John, travaillait dans une association caritative. La mère de David a eu un fils dix ans plus tôt, Terry, d'une précédente relation et John a épousé Peggy après un premier mariage et un divorce. Le seul musicien de la famille était le père de ma mère, qui jouait vaguement de la trompette. Nous étions une famille typique de la classe ouvrière avec sa vie rangée et monotone», racontera Bowie dans une longue interview aux Inrocks en 1993. Pour ne pas périr d'ennui, il faut déjà s'inventer un destin hors norme. J'ai su que cette vie n'était pas pour moi à 8 ans, lorsque j'ai entendu Little Richard. Là, c'est le déclic, la cassure. Dès lors, j'ai su que ma vie ne finirait pas dans la banlieue sud de Londres», ajoute-t-il. Pianiste et chanteur flamboyant, tapant son instrument vêtu de tenues excentriques, Little Richard fait entrer dans la vie du gamin la perspective d'une démesure qui lui convient. C'est son demi-frère aîné Terry qui initie David au rhythm and blues, au rock. Il écoute du jazz, lui fait lire les écrivains de la Beat Generation. Et c'est son copain George Underwood, avec qui il va former son tout premier groupe, George and the Dragons, qui le boxe dans la cour de récré, laissant David avec un œil à la pupille dilatée, un des signes les plus distinctifs de son profil asymétrique d'être intensément et David vont souvent aux concerts à Londres, traînent dans une capitale en ébullition culturelle. Le rock tranche brutalement avec l’atmosphère de leur environnement familial. Mais déjà Terry montre des signes inquiétants de folie. Il sera diagnostiqué schizophrène quelques années plus tard. Un jour qu’ils reviennent ensemble d’une virée londonienne, Terry a une crise aiguë, se met à marcher à quatre pattes, assure que des flammes sortent du bitume et qu’il entend des voix. Cette folie fraternelle saisit David, garçon à l’émotivité à fleur de peau qui décrira par ailleurs une existence sans chaleur auprès de parents distants qui n’offrent à leurs enfants aucun réconfort sentimental ou solitude structure profondément la personnalité de la future star, son opiniâtreté à se forger non pas une identité mais plusieurs, son besoin d'exister par le regard fébrile de milliers de fans, de jouer avec la foule en la toisant parfois avec hauteur ou une moue de dédain, d'être présent/absent comme une idole fracassée qui ne comprend pas la fascination qu'elle exerce dans le temple qu'elle s'est elle-même édifié. J'étais très préoccupé par l'état de santé mental de mon demi-frère Terry, qui était alors hospitalisé dans un établissement psychiatrique, dira David Bowie. Il était soigné pour schizophrénie et non pour neurasthénie. Parfois, il venait passer un week-end avec moi. C'était très effrayant car je reconnaissais chez lui certains traits de ma personnalité. J'avais la trouille de sombrer à mon tour dans la maladie, dans la folie… Mon écriture s'en est fortement ressentie.»Combustion londonienneDavid prend des cours de saxophone avec le musicien Ronnie Ross, mais il est impatient et ne supporte pas de suivre un enseignement très longtemps. De même qu'il change de marottes et de look à peu près tous les jours. A l'école, il est un élève médiocre et n'obtient de bonnes notes qu'en dessin. Déjà autodidacte, il absorbe connaissances et informations avec une rapidité anormale, et saute d'un sujet de passion à l'autre avec une rapidité déconcertante. Il est convaincu que son destin est marqué par la célébrité et l'envergure, il a un ego impérieux et, en même temps, personne ne semble déceler en lui le moindre signe d'une quelconque élection. Il n'a encore que 15 ans lorsqu'il forme son premier vrai groupe, The Kon-Rads, et se met à déserter le quartier au profit du cœur alors en combustion de la capitale anglaise. Dans les années 60, cette ébullition londonienne qu'il dépeindra sur un mode désenchanté dans la belle chanson London Boy est le prétexte à fuir la médiocrité de sa banlieue, dont il dira qu'elle n'offrait guère d'autres loisirs que de s'y faire casser la gueule par les gangs de teddy oreilles ivres de jazz et de rythm and blues, ce qui à l'époque fait déjà de lui un mélomane précoce, le jeune David Jones flâne autour des scènes de concerts, fraie avec les mods sans s'y retrouver, change de look presque chaque jour de la décennie. Dans les clubs, où les nuits s'étirent à la force du speed et des cachets d'amphètes, il quête la prochaine vogue, plein de défiance pour toutes celles déjà propagées au-delà des cercles londoniens les plus snobs, comme d'une chose guettée par la péremption, une obsolescence qu'il sait programmée. Depuis l'adolescence, il se décrète un devenir de pop star et joue dans d'innombrables groupes, dont les autres membres ne présentent pas toujours le répondant qu'il voudrait à son ambition The King Bees, The Buzz, Manish Boys, The Lower Third ou encore The Riot Squad, le premier groupe auquel j'ai participé où le maquillage et les pantalons étaient aussi importants que la musique», une production aussi forcenée que désordonnée, qui laissera en pâture aux anthologies futures quelques rares pièces de choix et de nombreux morceaux inachevés, le musicien qu'il est ne présente encore rien de très remarquable lorsqu'il publie son premier album, en 1967 David Bowie. D'après son nom de scène fraîchement adopté, inspiré du patronyme d'un explorateur anglais du XIXe et pour éviter d'être confondu avec un quasi homonyme membre des Monkees, Davy penchants pour le théâtre, le cabaret, le mime qu’il pratique dans la troupe de Lindsay Kemp, sa passion minoritaire pour le Velvet Underground, Frank Zappa et Jacques Brel, ou encore sa disposition à partir en retraite dans un monastère bouddhiste en Ecosse n’infusent pour l’heure qu’à la marge sa musique et son régime d’apparition. Des accents de music-hall colorent malgré tout quelques-unes de ses chansons, au caractère aussi candide et labile que pouvait l’être la variété de l’époque, et il adopte peu à peu une distance respectueuse avec ses pairs rockeurs satellisé et signes intriquésLa première fois que le jeune producteur Tony Visconti, encore sans grands faits d'arme, entend Bowie à l'œuvre, dans un bureau de maison de disques, il dit Ce type part dans tous les sens.» Non sans avoir l'intuition qu'il y a quelque chose à en tirer, à condition de l'aiguiller. Ce qui n'adviendra que quelques mois plus tard, une fois éclose une amitié cimentée par quelques marottes communes du rock américain le plus cintré au cinéma moderniste des nouvelles vagues européennes et passé un premier succès surprise en 1969 Space Oddity, magnifique single sans refrain satellisé dans les charts - après une première sortie dans l'indifférence - par la BBC qui l'utilise en bande-son des premiers pas de Neil Armstrong sur la Lune. Sur le beau disque, encore un peu sage, qui l'accompagne et qui connaît, lui, étrangement l'échec, il est encore à peu près aisé de désentrelacer ce qu'évoquent les chansons, entre deux ruissellements de cordes chronique presque enfantine des utopies désillusionnées des sixties, influences kubrickiennes 2001, l'Odyssée de l'espace et descente de drogues l'héroïne s'est invitée dans le swing de la décennie finissante, et l'a fait tourner maussade.Devenu plus impénétrable dès son virage glam entamé, puis franchement abscons sous l’influence des cut-up aléatoires empruntés à Burroughs, le parolier Bowie ne reconquièrera cette limpidité que des décennies plus tard, sur des disques diversement inspirés sur le strict plan musical, mais brodés d’un chant de crooner élimé et lucide, surconscient de son usure et de son propre l'orée des années 70, l'idole naissante a alors de moins en moins cure de l'intelligibilité de ce qu'elle chante les albums qui vont consacrer Bowie en objet de furie planétaire, hors norme, s'entretissent d'une accumulation de signes intriqués, glanés de toutes parts et rendus indébrouillables.Une des raisons de mon succès vient de cette capacité à réunir des éléments disparates, à donner corps à ces larcins», dira-t-il aussi aux Inrocks. Les motifs de tapisserie se recouvrent les uns les autres au creux de sa musique qui, mutant d'un disque à l'autre en l'espace de quelques mois, se forge aussi bien d'emprunts roués à l'air du temps quand il prend par exemple, à cette époque, le train de l'électricité dans le sillage de son ami Marc Bolan de qu'au gré de collaborations d'abord heureuses, puis visionnaires. Des présentations, orchestrées par Visconti, avec le guitariste virtuose Mick Ronson naîtra d'abord The Man Who Sold The World, qui farde ses accents hard rock de motifs ésotériques, références lettrées et d'androgynie. La pochette où Bowie se prélasse en robe longue hérisse les esprits, et l'encourage ainsi dans une voie du travestissement où il s'engouffre, de conférences de presse très costumées en gestation de son premier avatar appelé à devenir superstar, après le Major Tom de Space Oddity Ziggy premier album à teintes glam, le très composite Hunky Dory 1971, où les somptueux arrangements de claviers prennent le pas sur la furie des guitares, lui permet de mûrir ce changement de peau et d'égrener quelques chansons au devenir légendaire Changes, Oh ! You Pretty Things, Life on Mars ? entre deux hommages payés à ses maîtres Bob Dylan, Andy Warhol… Le disque suivant, qui assure l'envol de sa créature Ziggy en même temps qu'il orchestre son crash suicidaire, le voit creuser avec excès toutes les ambiguïtés jusqu'alors esquissées. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars 1972 échafaude son concept fumeux et magnifique de science-fiction naïve, des tenues insensées des personnages d'Orange mécanique et du créateur Kansai Yamamoto, de lambeaux d'expressionnisme et de théorie queer avant la lettre. Une génération entière se teint la mèche en rouge dans le sillon de Bowie, se peint les yeux d'étoiles, s'identifie à la généalogie extraterrestre qu'il s'invente comme parure absolue et revendication d'un être au monde en rupture avec la rock'n'roll qu'il porte à incandescence sur scène comme sur disque, et dont il se chante la bitch n'a encore jamais paru matière si météoritique - et pourtant, personne, parmi les foules idolâtres au bord du suicide collectif à chacune de ses stupéfiantes apparitions, ne comprend grand-chose à ce qu'il autre pierre splendide et grandiloquente ajoutée à l'édifice glam avec force emprunts au cabaret dietrichien Aladdin Sane, 1973, entre deux missions de rescousse auprès de Lou Reed Transformer, 1972 et d'Iggy Pop, Ziggy et son cortège de simulacres pailletés se retirent en grande pompe, le 3 juillet 1973, à l'Hammersmith Odeon de Londres. On croit Bowie rincé par les tournées, on n'a pas tort - en témoigne son album de reprises un peu paresseuses, Pin Ups, sur la pochette duquel il pose l'air éberlué, tête contre tête avec le mannequin voilà qu'à Ziggy succède pourtant aussitôt Halloween Jack», maître de cérémonie de son album le plus étrange et bancal de la décennie glorieuse, Diamond Dogs 1974, où il refait le portrait à la musique des Stones à l'aune, notamment, de sa lecture du Junky de Burroughs et du 1984 d'Orwell, avec le hit très Richardsien Rebel Rebel à la train ivre, lancé à grande vitesseD'un disque à l'autre, sur le fil des sautes d'humeur créative, des tournées sans fins, de séjours en studio pareils à des descentes en rappel dans la fournaise d'un volcan, sa clique évolue fréquemment, de ses musiciens à son agent. Ainsi, en 1974, il vire l'influent Tony DeFries. Bowie décrira plus tard avoir commencé à se détacher peu à peu de la réalité aussitôt le costume de Ziggy endossé, pour s'égarer dans un dédale d'inventions de personnages et de costumes, dont il ne conservera plus tard que le souvenir flou d'une épopée de conducteur en train ivre, lancé à grande vitesse avec la poudre pour principal carburant, sans percevoir grand-chose de chacune de ses stations. Cette désincarnation à l'œuvre se lit magnifiquement à la surface de la plastic soul de Young Americans 1975 et ses chansons phares le morceau-titre, Fame et Accross the Universe, splendide essai de soul blanche évidée de sa substance pour n'en retenir que les effets de pures brillances, dont se joue la virtuosité de la mois plus tard seulement, un Bowie au sommet de sa maigreur et de sa surconsommation de coke publie Station to Station, sans doute son œuvre la plus accomplie malgré le brouillard dans lequel navigue sa nouvelle incarnation, le Thin White Duke, à la silhouette de coutelas sculptée par des lumières brechtiennes. Entouré d'un groupe qui ne sera peut-être jamais meilleur que sur la tournée qui s'ensuivra cette basse de George Murray, cette guitare rythmique de Carlos Alomar lors du concert au Coliseum de Nassau…, il se révèle un vocaliste étincelant, crooner hâve en quête d'exorcisme et diva enténébrée, de l'épique morceau inaugural et ses sublimes convulsions entre machinisme kraftwerkien, déjà, et euphorique sabbat sorcier à la reprise finale du Wild Is the Wind emprunté à Nina Simone. Auparavant, j'étais extrêmement étrange, un type très secret qui ne savait pas comment se situer par rapport aux gens. Et je crois que je me suis battu pour construire des relations avec les autres par réflexe de survie, parce que j'étais vraiment arrivé au fond du gouffre. Je me suis dit je ne peux plus aller plus bas, le suicide me guette en permanence, je ne trouve plus de raison valable pour vivre», raconte Bowie dans une interview au mitan des années 1976, pour se sortir de l'autodestruction à la cocaïne, Bowie fait un retour européen. Il installe sa famille en Suisse sa femme d'alors, Angie, et son fils Duncan "Zowie" Jones mais passe le plus clair de son temps à traîner avec Iggy Pop à Berlin, s'alimentant, selon ce dernier, essentiellement de saucisses nappées de poudre blanche. C'est au château d'Hérouville Val-d'Oise qu'ils enregistrent ensemble l'essentiel de l'album d'Iggy The autre personnage précieux surgit dans l'existence de la star Brian Eno, l'expérimentateur ambient qui a commencé dans le glam au côté de Brian Ferry et Roxy Music faisant en 1972 la première partie de… Bowie avant de tracer sa route, loin des rivages de la pop mainstream. Eno dit notamment Je pense que Bowie essayait d'échapper à l'élan d'une carrière triomphale.» En effet, l'artiste veut se réinventer une fois encore et rompre avec ce monstre américain qui était en train de l'avaler. Il se rêve intellectuel distancié, mathématicien de la pop, auscultant ses blessures en analyste éclairé et laconique. Brian Eno invente des modalités de compositions, d'arrangement et d'enregistrement totalement novatrices en imposant en particulier l'usage du jeu de cartes Stratégies obliques», sorte de tarot composant plus de cent dilemmes musicaux» avec des aphorismes bizarres tels que Mets la sourdine et continue» ou Honore ton erreur comme une intention secrète».C’est de la connerie»David Bowie est connu pour sa rapidité mais aussi sa créativité chaotique. Il déboule au studio avec des dizaines de pages griffonnées, des idées dans tous les sens, des bouts de chansons, et Eno organise savamment ce désordre. Bowie dira Eno m'a tiré de la narration qui m'ennuyait à mourir, il m'a vraiment ouvert les yeux sur la communication abstraite.» Le fidèle guitariste Carlos Alomar regarde ça avec la plus grande circonspection David et Brian étaient deux intellectuels et ils avaient une camaraderie très différente, des conversations plus sérieuses, un côté "européen". C'était trop pour moi. Au bout d'un moment, il a fallu que je dise "c'est de la connerie, c'est nul". J'ai résisté à fond.»Low puis Heroes, enregistrés à Berlin sur le même modèle, avec à la production le même duo Brian Eno-Tony Visconti, déposent deux emblèmes bowien proto-new wave, imposant de longues plages d'instrumentaux planants qui mettront la maison de disques RCA en panique. Pourtant le single Sound and Vision sera un succès et Heroes va devenir un hymne absolu, une des plus grandes chansons du XXe. Alomar se souvient de l'ambiance corollaire de l'enregistrement de Heroes On sortait le soir dans des endroits sinistres de la ville, dans les couloirs du métro, les quartiers chauds, juste pour faire un tour et voir la décadence. Je dirais que la stimulation mentale de David était à son apogée à ce moment-là. C'était une excellente période, en fait. Il avait les idées très claires, en ce sens qu'il était redevenu un homme de lettres, il s'intéressait à la politique du moment, il était au courant de ce qui se passait, ce qui m'épatait parce qu'il ne s'en était jamais soucié avant.»Avec son sens du casting, Bowie invite des guitaristes tels que Robert Fripp, du groupe art rock King Crimson ou encore sur Lodger, qui clôt ce que l'on nomme généralement la trilogie berlinoise Adrian Belew, débauché auprès de Franck Zappa. Soit des personnalités capables de plaquer des improvisations risquées, discordantes sur n'importe quelle maquette de chanson. Bien qu'il se soit fâché avec Brian Eno de même que, plus tard, il traversera quinze ans sans adresser la parole à Tony Visconti, son plus durable compagnon de route, Bowie veut ajouter un élément à la fusée avant-garde qui fait de lui le rock star la plus internationalement légitime et audacieuse ; celui qui peut ramasser en un titre le meilleur d'une mélodie accrocheuse, tout en ne cédant rien de l'espèce d'insolence bruitiste et pionnière du laborantin de parvient ainsi encore à surprendre et à empocher la cagnotte symbolique avec Scary Monsters 1980 enregistrée à New York. Un album fignolé et longuement mûri qui contient l'indépassable single Ashes to Ashes, que Bowie met en orbite via un clip en forme de bilan personnel. A la fois clown triste, cosmonaute en perdition et malade mental en cellule capitonnée, il réclame un pic à glace pour redescendre parmi les vivants. On croit qu'il va faire une tournée mais il préfère disparaître des radars alors que son contrat chez RCA se termine. C'est le leader de Chic, Nile Rodgers, qui le retrouve incognito en 1982 dans le bar d'un palace de New York. Bowie veut le rencontrer parce qu'il a écrit quelques chansons et, surtout, il veut faire un méga tube. Et opérer ainsi un come-back en ces années yuppies où un certain mauvais goût parvenu et une culture de la décontraction clinquante transforme la pop en rampe de lancement pour le néant et le rock est dégoûté il voulait faire un disque d'avant-garde et son idole le renvoie à son statut de faiseur de hits. Il s'exécute. Let's Dance sera dantesque. En 1983, Bowie est partout, bronzé, le cheveu blond oxygéné, il assure ne plus vouloir se cacher derrière un personnage, converti à une sorte de musique directe, qui fait bouger le popotin et met les neurones au repos. Les puristes se bouchent le nez, les fans regardent cette métamorphose de la plus inadaptée des stars en puncher de stade comme un trait de génie. Mais cette ascension au nirvana mondial des ventes de disques 10 millions d'exemplaires, qui le rend multimillionnaire, l'entraîne aussi sur la pente glissante d'une errance discographique et artistique qu'il reconnaîtra quelques années plus tard. Après ces deux albums atroces, Tonight 1984 et Never Let Me Down 1987, j'ai eu le sentiment que le passé me muselait, confesse-t-il en 2003 à Rock & Folk. J'étais devenu indifférent, sans motivation, j'étais vulnérable en tant qu'auteur, et je n'avais surtout pas besoin de m'entendre dire à quel point mes chansons d'avant étaient formidables "Allez vous faire foutre avec Ziggy, j'essaye d'écrire !" C'est tout ce que j'avais envie de dire.»Lettre d’adieuMerci pour ces bons moments que nous avons partagés, Brian, ils ne pourriront jamais. Signé Aurore». C'est le dernier mail envoyé par Bowie à Brian Eno, qui a dit son émotion, comprenant soudain que ce message était une lettre d'adieu. Rivé à l'idée de faire de sa vie et de sa fin une œuvre d'art, l'objet d'une mise en scène sans limite, Bowie, perfectionniste, ne pouvait manquer d'accomplir la promesse qu'il s'est faite dès son plus jeune âge de devenir une légende qui ne finit jamais - jusqu'à nous quitter au lendemain de la parution de son ultime album, mais aussi de son 69e anniversaire, chiffre dont la réversibilité fait honneur à son goût des boucles et des tours de magie noire capiteux. Depuis la nouvelle tombée lundi matin, l'incrédulité emporte les solitaires, les beaux et les bizarres, les dandys et les queers, les fous et les folles, la vaste et hagarde famille des deranged à laquelle on espère toujours appartenir. Pour avoir si souvent puisé des forces vitales et apaisantes à son contact, galvanisés par l'invraisemblable confiance médiumnique qu'il mettait à n'en faire qu'à sa tête, ouvert à tous les caprices, accès de mauvais goût et éclairs de génie, les compagnons de cette informelle communauté de l'étrangeté au monde se trouvent tous un peu nus et hébétés, telle une tribu des premiers âges qui comprend que le feu protecteur vient de s'éteindre et que personne n'a la moindre idée de comment le rallumer.

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